Lo singular fotográfico

lo singular fotografico

Desde el principio, el ojo se engaña en un parpadeo caótico de masas escamosas blancas, sobre un fondo oscuro de inmuebles urbanos. Y rápidamente unos pájaros cuyo perfil destaca sobre el cielo, dan la clave para descifrarlo: se trata de un vuelo de palomas en la rue Saint Martin (lo que indica la única parcela de la imagen claramente legible). Pero por mucho que la mirada vuelva a un hermoso retorno en espiral hacia aquel montón informal, sólo reconoce a las palomas por íntima convicción y por defecto: unas palomas que uno nunca ha podido ver así con sus propios ojos. Concreciones de luz, chapoteos lechosos que no evocan para nada la figura visual común de la paloma. Aquella deflagración luminosa percibida por el ojo es la del flash, la estupefacción de un mágico espectáculo permanentemente fijo provocado por la instantánea fotográfica.


En la exposición “Toda Fotografía es un Enigma”, el historiador de la fotografía Michel Frizot presenta una selección personal de imágenes de todas las épocas recolectadas a lo largo de los años, entre ellas, imágenes de autores anónimos, desconocidos, olvidados o amateurs, que escapan las clasificaciones y estéticas habituales en la historia del medio.  Para Frizot, toda fotografía supone un enigma para la mirada, “una constelación de preguntas” más que una certeza, una prueba de la inestabilidad del propio acto fotográfico y de su percepción por parte del espectador.

Fundación Foto Colectania | C/Julián Romea 6, Barcelona | http://www.colectania.es

Horario: de lunes a sábado de 11h a 4h y de 16h a 20h

 

Anuncios

Cara a Cara con Miguel Trillo

“Estamos introduciendo otro “yo” en la fotografía. Ya no eres tú solo. Todo lo que dicen tus elegidos te está afectando a la hora de hacer la foto. Yo busco un equilibrio para que me afecte lo menos posible su intervención y que siga prevaleciendo mi intención, esa apariencia desapegada del tema. ¿Faltan rasgos de autoría? Esa es precisamente mi identidad.”

-Miguel Trillo, Identidades, Junta de Andalucía y Comunidad de Madrid, Madrid, Sevilla, 2009


En este tercer “Cara a Cara”, presentamos la entrevista que realizamos con Miguel Trillo en el marco de la exposición Cara a Cara.  El retrato en la Colección de Foto Colectania, presentada en nuestra sala hasta el 13 de febrero de 2016.

Miguel Trillo denomina al retrato como un juego de té mudo.  Desde esta metáfora elaborada por el propio autor en los primeros minutos del vídeo, os proponemos conocer su perspectiva sobre esta temática:

Con el fin de acercaros a nuestra colección y a los conceptos que se articulan en “Cara a cara”, seguiremos esta serie de presentaciones y entrevistas a los autores de la exposición. Más abajo, el encuentro entre Trillo y dos adolescentes en la discoteca Savoy en la única fotografía incluida en la exposición “Cara a Cara”: tres miradas que se encuentran ante un único objetivo.

Miguel Trillo 96

Miguel Trillo, En un Allnighter mode en la discoteca Savoy, 1992.

La exposición toma como hilo conductor y enfoque principal el retrato, invitando al espectador a sumergirse en la fisionomía y personalidad del retratado.  Ésta tipología de la fotografía es un aspecto clave dentro de la exploración fotográfica y, particularmente, de la exposición que presenta la obra de 50 fotógrafos y condensa una visión en 106 fotografías de las 3.000 que alberga el fondo de Foto Colectania.  De esta manera, la exposición armoniza distintas perspectivas poniendo en evidencia el encuentro entre un Yo y un Otro, en un estudio exhaustivo de su colección.

Miguel Trillo (Jimena de la Frontera, Cádiz, 1953) ha documentado la evolución de las tribus urbanas de nuestro país comenzando en los años setenta. Siempre trabajando desde su entorno más inmediato, en los ochenta comienza a retratar lo que es conocido como “la movida” madrileña.  Durante esta época, empieza a exponer en la Galería Ovidio (1982) y en la sala Amadís (1983). A principios de los noventa, realiza para el diario “El País” un retrato de la juventud española en pequeñas capitales de la provincia. Trillo, como una sombra, va capturando estas mutaciones sociales y etarias para dar así una historia universal; la historia de la identidad.  Desde 1994 reside en Barcelona. En 2007 participó en la exposición “Recorridos”, organizada por la Fundación Foto Colectania y la Fundación Banc Sabadell, y en 2015 presentó la exposición “Afluencias. Coste este a Costa oeste” en el espacio de la Tabacalera de Madrid.

Os invitamos a que exploréis más en la obra de Trillo a través de su página web: http://migueltrillo.com/

En los siguientes enlaces podéis visualizar un Cara a Cara con:

Juan Manuel Castro Prieto

Gervasio Sánchez

 


Agradecemos al equipo de GrisArt-Escola Internacional de Fotografia: Iván Ferreres y Dani Solsona, por la producción y edición de esta grabación.

CARA A CARA con Juan Manuel Castro Prieto

“La fotografía puede ser una ventana: ves a través de ella lo que está ocurriendo, y lo registras con la cámara. Pero también puede ser un espejo, donde te reflejas en lo que cuentas.”   

 – Juan Manuel Castro Prieto, Extraños Lunwerg, Barcelona, 2003


Con motivo de la exposición Cara a Cara. El retrato en la Colección Foto Colectania que presentamos actualmente en la fundación, le preguntamos al fotógrafo Juan Manuel Castro Prieto qué representa el retrato en su obra y cómo se aproxima a este género.

Castro Prieto se convierte así en la primera respuesta que encontraremos en esta serie de presentaciones que iremos publicando aquí, con el fin de acercarles a nuestra colección y a los conceptos articulados en la exposición. La obra del reconocido positivador se ve representada en “Cara a cara” con las siguientes cinco fotografías de su autoría.

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

La exposición toma como hilo conductor y enfoque principal el retrato, invitando al espectador a sumergirse en la fisionomía y personalidad del retratado.  Ésta tipología de la fotografía es un aspecto clave dentro de la exploración fotográfica y, particularmente, de la exposición que presenta la obra de 50 fotógrafos y condensa una visión en 106 fotografías de las 3.000 que alberga el fondo de Foto Colectania.  De esta manera, la exposición armoniza distintas perspectivas poniendo en evidencia el encuentro entre un Yo y un Otro, en un estudio exhaustivo de su colección.

Unos días después de la inauguración de la exposición “Cara a cara” invitamos a Castro Prieto a dar una charla sobre su trayectoria a los alumnos de nuestras Escuelas Amigas que podéis visualizar online:

Premio Nacional de Fotografía 2015, Juan Manuel Castro Prieto nace en Madrid en 1958.  Economista de formación, su relación con la fotografía comienza en 1977 de manera autodidacta, como la mayoría de los autores de su generación.  A comienzos de los años ochenta y tras años de práctica, abre su famoso laboratorio fotográfico en Madrid.  En 1990 viaja a Cuzco, Perú, para positivar las fotografías del maestro peruano Martín Chambi a partir de las placas de cristal originales.  De su experiencia en este país publicará el libro “Perú, viaje al sol”, que fue acompañado por una exposición presentada en varias ciudades de España y Europa. Castro Prieto ha sido galardonado con diversos premios, entre los que destacan el premio PhotoEspaña Bartolomé Ros a su trayectoria como autor en 2002 y el premio de fotografía de la Comunidad de Madrid, que dio origen a la exposición “Extraños” y el libro del mismo título. Otra de sus series fue Etiopía presentada en Madrid y París y publicada por Lunwerg en 2009. Entre sus últimos proyectos está la exposición Edén. Chambi-Perú-Castro Prieto que itineró por España durante 2013 y la muestra Los paisajes de Don Quijote presentada en el Teatro Liberté de Toulón en Francia. Además de sus trabajos personales, en su laboratorio en Madrid sigue su trabajo de positivador de la obra de los mejores fotógrafos del país.

Para más información acerca de la obra de Juan Manuel Castro Prieto, os dejamos su página web: http://www.castroprieto.com/

Pinche en el siguiente enlace para presenciar el Cara a Cara con

Gervasio Sánchez


Agradecemos al equipo de GrisArt-Escola Internacional de Fotografia, Iván Ferreres, Dani Solsona y Laura García Berlanga, por la producción y edición de estas grabaciones.

 

 

 

LES NUITS DE PLACE BLANCHE | Christer Strömholm

Strömholm_Carmen

LIBRO PUBLICADO por la Fundació FotoColectania y la editorial RM con motivo de la exposición La tentación de existir. Christer Strömholm | Anders Petersen presentada en Foto Colectania de abril a julio de 2015

     LES NUITS DE PLACE BLANCHE nos sumerge en la vida nocturna de París de los años 50 y 60, concretamente en la comunidad transexual del barrio cercano a la plaza Pigalle. Christer Strömholm, considerado el padre de la fotografía contemporánea en Suecia, retrata a los personajes de manera íntima y exuberante, ya sea en la calle o en las habitaciones de los hoteles donde residen. Para el autor, se trata de un trabajo sobre la libertad de cada uno para elegir su propia vida y su identidad que, con el tiempo, se ha convertido en un conjunto de recuerdos conmovedores de las debilidades y fortalezas del ser humano. En definitiva, se trata de una serie que destila fragilidad y belleza y que simboliza muy bien lo que para Strömholm significa trabajar con la fotografía: la posibilidad de ahondar en las grandes preguntas de la vida, como el amor, la muerte y la soledad humana.

 

FICHA TÉCNICA

Autor: Christer Strömholm

Texto: Joakim Strömholm

Fecha y lugar de edición: 2015, Fundació Foto Colectania, Barcelona.

Idiomas: Francés – Inglés – Español – Catalán.

Ilustraciones: B/N

Encuadernación: Tapa Dura

Diseño: Silvia Rotllant

Dimensiones: 14.5 x 21.0 cm.

Páginas: 48

Imágenes: 23

Tiraje: 1400

ISBN: 978-84-16282-15-9

PRECIO 25€

Si estaís interesados en adquirir el libro por favor ponerse en contacto vía mail: pmedrano@colectania.es o por teléfono 93 217 16 26.

 

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

© Christer Strömholm, cortesía Galerie VU’, Paris y Strömholm Estate, Estocolmo


CONTACTO

Fundació Foto Colectania

Julián Romea 6, D2
08006 Barcelona

Tel: 93 217 16 26
http://www.colectania.es

Exposición de Anders Petersen y Christer Strömholm

dos fotos

titulo_cast

Foto Colectania presenta en la exposición “La tentación de existir” dos series esenciales de la fotografía europea. Hasta el 30 de julio.

– “Les Amies de Place Blanche”, realizada por Christer Strömholm entre 1959 y 1968, muestra la vida de  la comunidad transexual de Place Blanche y Pigalle en París.

– En “Café Lehmitz”, Anders Petersen retrata al grupo de personas que frecuentaban  este café situado en el distrito rojo de Hamburgo a finales de los sesenta.

Christer Strömholm Anders Petersen, grandes exponentes de la fotografía sueca, comparten una manera de entender el medio que ha sido decisiva en la fotografía contemporánea. Los trabajos de Strömholm y Petersen, profesor y alumno respectivamente, destilan una palpable melancolía nórdica a la vez que intensa empatía y compromiso hacia los entornos fotografiados. “Les Amies de Place Blanche” es una serie que destila fragilidad y que está cargada de belleza. “Café Lehmitz” por su parte, es un trabajo más descarnado e hipnótico. Son series hechas aparentemente sin concesiones en la que cada una a su manera nos revela lo que es real y lo que existe con todas sus contradicciones.

© Christer Strömholm.Jacky, Place Blanche, París, 1961, cortesía Galerie VU’, Paris y Strömholm Estate, Estocolmo

Christer Strömholm (Estocolmo, 1918–2002) se trasladó a París en 1946 para estudiar en la Escuela de Bellas Artes y comenzó a fotografiar los ambientes existencialistas del momento. Tras viajar por varios países europeos, entre ellos España, regresa de nuevo a París a finales de los años 50 y se instala a vivir en los alrededores de Place Blanche y Pigalle. Strömholm pronto traba amistad con los transexuales del barrio y empieza a fotografiarles mostrando su belleza más vulnerable y feroz, ya sea en la calle, mediante primeros planos que dejan vislumbrar el escenario nocturno de la ciudad o, de una forma más íntima y próxima, en las habitaciones de los hoteles donde residen.

La serie fue publicada por primera vez en Suecia en 1983 y el libro se agotó rápidamente convirtiéndose en un clásico de culto. El texto introductorio se convierte en un manifiesto dónde Strömholm se plantea cuestiones sobre la sexualidad y el género: “fue entonces y sigue siendo un trabajo sobre la obtención de la libertad de uno para elegir su propia vida y su identidad”. El autor huye de la anécdota y muestra complicidad y respeto hacia los sujetos fotografiados: “son imágenes de personas con las que compartía mi vida y que creo haber llegado a comprender”. Con el paso del tiempo estas imágenes se han convertido en recuerdos conmovedores de las debilidades y fortalezas del ser humano”.

Las fotografías de Strömholm son sorprendentemente íntimas y exuberantes, y se han comparado en multitud de ocasiones a las famosas escenas nocturnas de Brassaï – seudónimo de Gyula Halász (1899 – 1984), fotógrafo húngaro conocido por sus imágenes de París de los años treinta.

“Les Amies de la Place Blanche” se ha convertido en la serie más reconocida de este autor, ya que simboliza lo que significa para él trabajar con este medio: la posibilidad de ahondar en las grandes preguntas de la vida, el amor, la muerte y la soledad humana. En este sentido, sus imágenes delicadas e intensas de las mujeres de la Place Blanche, ofrecen en cada retrato una representación sutil de lo que la vida puede escondernos o mostrarnos.

Anders Petersen Ushi con un hombre, Café Lehmitz, Hamburgo, 1967-70

Anders Petersen Ushi con un hombre, Café Lehmitz, Hamburgo, 1967-70, cortesia Galerie VU’, Paris

A finales de los años setenta Anders Petersen (1944, Estocolmo) empieza a frecuentar el Café Lehmitz, una taberna situada en el distrito rojo de Hamburgo, convertida en microcosmos y refugio para toda una serie de personas que vivían en los márgenes de la sociedad: prostitutas, trabajadores, clientes y proxenetas. A lo largo de tres años, Petersen las retrata y realiza un documento provocador y lleno de vitalidad, que sería publicado por Schimer/Mosel en 1978 convirtiéndose rápidamente en uno de los libros más influyentes de la fotografía europea.

“La gente del Café Lehmitz, tenía una presencia y una sinceridad que a mí me faltaba. Estaba bien estar desesperado, ser tierno, sentarse solo o en compañía de los demás. Había una gran calidez y tolerancia en este desvalido escenario. En el café, dormía gratis en la cocina, a cambio de cuidar a los niños de la cocinera. Mi estancia fue muy formativa. El café incluso organizó mi primera exposición: Coloqué 350 fotos encima de la barra y les dije que si alguien se reconocía podía coger la foto y quedársela. Después de unos días las paredes estaban vacías”, afirma Petersen. En las imágenes los clientes del bar comparten momentos de camaradería, bailan, se abrazan o permanecen absortos. Como los famosos retratos de Rose y Lilly, dos personajes carismáticos del bar que aparecen en varias instantáneas. Una de ellas, la que Rose aparece con el torso desnudo apoyado sobre Lilly, que está riendo, fue utilizada por Tom Waits para ilustrar la portada de su disco Rain Dogs.

Tom Waits ‘Rain Dogs’, Island Records, 1985. Photograph by Anders Petersen.

“Café Lehmitz” es algo más; es un trabajo directo sobre la vida en los márgenes, donde lo único que cuenta es lo que una persona verdaderamente es. Petersen se identifica con los individuos con los que trabaja: “Con matices, claro”, porque se busca a sí mismo en los retratos que hace de otros. “Todas las fotos que hago no son sino un acercamiento al autorretrato”. Es también el caso de Strömholm al afirmar: “Cuando pienso en la fotografía y cuando veo cuidadosamente mis imágenes pienso que todas ellas, cada una a su manera particular, no son más que autorretratos, fragmentos de mi vida”.

Strömholm y Petersen, una misma forma de entender la fotografía

Ambos fotógrafos desarrollan trabajos personales que sirven a un objetivo documental. Desde la complicidad y el respeto, deciden dar visibilidad a aquellas personas que, aun encontrándose en los límites, optan por seguir avanzando. Petersen no solo recibió lecciones fotográficas de Strömholm, sino también una manera de entender la vida, una actitud que se traduce en el compromiso del autor con su oficio y con la gente que retrata. Para Petersen la fotografía se convierte en la herramienta perfecta: “Se trata de conocer a la gente, identificarse con ellos, compartir, escuchar, ser parte de ellos, ser transparente y aprender”.

Tanto Strömholm como Petersen, realizan sus series a lo largo de varios años, y en ellas, la imagen única da paso a una secuencia, volviendo visible el proceso del autor. Se trataría de un proceso análogo al ocurrido en otras áreas del pensamiento contemporáneo tras la Segunda Guerra Mundial. Uno de los autores más provocadores y radicales de este período sería el filósofo rumano E. M. Cioran (1911-1995), para el cual todo acontecimiento vivido, físico o intelectual, es aprovechado para moldear un cuerpo conceptual. En su libro “La tentación de existir” – escrito en francés en 1956- y origen del título de la exposición que muestra Foto Colectania, se explica cómo los tiempos actuales han hecho de nuestro pensamiento un interrogante permanente. Las guerras, los conflictos, las aberraciones, las adicciones… nos ponen frente a nosotros mismos con el tenebroso sinsentido. ¿Qué nos empuja a seguir existiendo?

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Imágenes:

© Christer Strömholm, cortesía Galerie VU’, Paris y Strömholm Estate, Estocolmo

© Anders Petersen, cortesía Galerie VU’, Paris


Fundació Foto Colectania

Julián Romea 6, D2
08006 Barcelona

Tel: 93 217 16 26
colectania@colectania.es

Nuestra colección, biblioteca y exposiciones temporales pueden visitarse de lunes a sábado de 11 a 14 y de 16 a 20h.

Domingos y festivos cerrado.

MARIDAJES XV “ABSTRACCIONES”

Bodegas Roda, en colaboración con la Fundación Foto Colectania, acoge la muestra “Maridajes XV. Abstracciones” con una selección de obras de fotógrafos que han utilizado la abstracción como experimentación con el medio o como una modificación creativa del carácter literal de la imagen fotográfica. La muestra presenta fotografías de Manel Armengol, Juan Bufill, Joan Fontcuberta, Paco Gómez, Ramón Masats, Carlos Pérez Siquier, Xavier Ribas, Humberto Rivas y Ton Sirera, y se podrá visitar en la sala de exposiciones de Bodegas Roda hasta el 30 de septiembre del 2015.

Como en la pintura y la escultura, la abstracción ha sido una práctica recurrente en la historia de la fotografía. Para muchos artistas, la cámara se convierte en una herramienta capaz de revelar aspectos de la realidad que muchas veces el ojo no es capaz de ver. Varios autores han enfatizado en los aspectos más formales y expresivos de la imagen fotográfica, ya sea a través de la fragmentación  y el reencuadre o a través de la experimentación con los materiales esenciales que conforman  la fotografía: la luz y el papel fotosensible.

Uno de los pioneros en la abstracción fotográfica fue sin duda Ton Sirera (Barcelona, 1911 – Lleida, 1975), que estuvo vinculado a los movimientos informalistas y expresionistas de los años 50, y que trabajó de manera continuada y persistente a lo largo del tiempo. Su interés por la naturaleza vegetal, sus formas y texturas, le llevaron a realizar un corpus de imágenes botánicas próximas a las primeras vanguardias artísticas. Además, Ton Sirera defendió a través de sus textos la autonomía del arte fotográfico, haciendo hincapié en su cualidad de ver un objeto conocido bajo un aspecto nuevo. Como él afirma, “este es, en rigor, el papel que ha de desempeñar la fotografía: aislar para dotar a lo que es familiar de una virtud de extrañeza.”

Ton Sirera, Corteza de árbol, 1960

De una manera más intuitiva trabajaría Paco Gómez  (Pamplona, Navarra, 1918 – Madrid, 1998) en la realización de sus imágenes no figurativas. A Gómez se le reconoce por ser un poeta de los muros, de los rastros, de los espacios desnudos y los pequeños objetos. Su observación del mundo parte de una sensibilidad bien enraizada en la realidad, pero a la vez trascendente y cargada de sentido simbólico. Paco Gómez fue uno de los fotógrafos más destacados del grupo Afal (1956/1963) y de la llamada Escuela de Madrid. Su obra, de gran coherencia temática y formal, tiene una impronta genuina que la distingue de cualquier otro fotógrafo de su generación. Y es que la sobriedad, la expresividad y la composición de las fotografías de este autor dejaron una huella en la fotografía contemporánea, que veía en sus sutilezas y silencios una clara visión del mundo.

COLECTANIA 65

Paco Gómez, Sin Título, 1984

Coetáneo a Gómez es Carlos Pérez Siquier  (Almería, 1930), considerado uno de los pioneros de la vanguardia fotográfica en España. Sus fotografías reproducen las paredes desconchadas de las viviendas de La Chanca y forman parte del grupo que el autor califica de “matéricas” y que, tal y como él expresa, “están más cerca de la pintura contemporánea”. En ellas, el autor juega con los elementos, con el recorte de la realidad, hasta convertirlo en una abstracción de forma y color.

Carlos Pérez Siquier, Los Escullos, 1997.

La fotografía abstracta la encontramos también en la obra de numerosos autores que pese a no haber trabajado directamente el tema, sí que han creado obras que están compuestas a partir de los rasgos que configuran propiamente la imagen abstracta, como es la concentración en la forma y las texturas. Es el caso de las fotografías de Ramón Masats, Humberto Rivas, Manel Armengol o Xavier Ribas.

Ramón Masats (Caldes de Montbui, Barcelona, 1931) está considerado el gran reportero de su generación, el que supo captar con mayor talento la cambiante realidad del país y el más dotado para el género del reportaje. Las fotografías de Masats son el resultado del ejercicio honesto y apasionado de su oficio. De manera intuitiva y libre fotografió las calles de pueblos y ciudades, y como otros autores de su generación (como Paco Gómez o Leopoldo Pomés), en su obra encontramos experimentaciones con la fotografía no figurativa, como son estos muros y sus rastros gestuales.

Ramón Masats, Barcelona, 1953

La obra fotográfica de Humberto Rivas (Buenos Aires, 1937 – Barcelona, 2009) se ha consolidado como paradigma de la sobriedad y sencillez, tal y como se muestra en sus series de retratos y paisajes. En el caso de los paisajes, sobre todo los urbanos, Rivas enuncia una poética intensa del paso del tiempo y del tratamiento de la luz, que, sumado a la precisión técnica, da como resultado unas imágenes propias que hacen de este autor un arquitecto de imágenes.

Humberto Rivas, La Mola (Menorca), 2005

A lo largo de su trayectoria, Xavier Ribas (Barcelona, 1960) se ha interesado por los espacios periféricos e intersticiales, normalmente vinculados a una ciudad. Estas fotografías pertenecen a su serie “Umbrales”, en las que el autor representa a través de una composición formal, la parte inferior de las puertas de bancos y entidades financieras de la City de Londres y Amsterdam. Para el autor, la noción de umbral hace referencia a la delimitación, a la diferenciación física y simbólica del espacio. El umbral es un espacio de transición, un “entre-dos” que, en el ámbito de la geografía y sobretodo de la arquitectura, se presta a un proceso de condensación simbólica.

Xavier Ribas, Sín título (de la serie Umbrales), 2000

La exposición incluye también un díptico realizado por Manel Armengol (Badalona, Barcelona 1949) en Islandia, que nos muestra de nuevo como la naturaleza puede ser el punto de partida para la creación de unas imágenes cargadas de contenido poético. El mar de Islandia, abordado desde una postura contemplativa, deviene una bella composición abstracta gracias a un ejercicio de luz, texturas y fragmentación.  Como en otras de sus series sobre los elementos, Armengol se acerca a la naturaleza silenciosamente, con calma; adopta una actitud respetuosa y de admiración, de modo que su presencia no provoque ninguna alteración del estado natural.

Manel Armengol, Líneas del agua 1, Hestfjordur, 2008

Finalmente la exposición incluye dos trabajos en los que la imagen abstracta se consigue a partir de experimentaciones con el propio medio. En el caso de Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955),  se incluyen dos obras de su emblemática serie “Frottogramas”, basadas en la técnica pictórica del “frottage”, inventada por Marx Ernst. En ellas, Fontcuberta frota los objetos fotografiados sobre la emulsión ya sean plantas, animales, rocas o fragmentos de cuerpo humano,  de manera que además de la huella provocada por la luz en el material sensible, éste se ve marcado por su textura. Aunque algunas de estas piezas tienen un buen grado de abstracción, puede decirse que en cierto modo son mucho más realistas que una imagen que responda a los cánones tradicionales de objetividad.

Por último, en la exposición se presenta la obra “Generaciones” de Juan Bufill (Barcelona, 1955) que se basa en el descubrimiento de la luz y el movimiento, ya sea en forma de reflejo de la luz sobre el agua o de la luz como fuente misma, como generadora de formas abstractas. Tal y como explica Bufill refiriéndose a su trabajo, “Mis fotografías son el resultado de la contemplación de la naturaleza, de la pausa ante el flujo del agua bajo el fuego de la luz. La cámara fija los instantes que los ojos no pueden llegar a percibir. La luz es un medio, una inmaterial materia prima, para expresar gestos -es decir, deseos- humanos.”

Juan Bufill,Generaciones (Los centros), 2001

 

Bodegas Roda

Bodegas RODA se funda a finales de los ochenta en el mítico barrio de la Estación de Haro, en la Rioja Alta. Su visión innovadora y su filosofía de trabajo la ha posicionado en la primera fila de los mejores vinos del mundo gracias a su manera de entender la viticultura y de ensalzar la importancia del viñedo viejo y a su gran equipo técnico que lidera proyectos internacionales de I+D+I. Actualmente elabora cuatro marcas: SELA,  RODA, RODA I y CIRSION. Bodegas Roda es patrocinador institucional de Fundación Foto Colectania.

logo

La Fundación Foto Colectania

Creada en Barcelona en el año 2002, la Fundación Foto Colectania es una entidad privada sin ánimo de lucro, que tiene como finalidad difundir la fotografía y su coleccionismo. Cuenta con un fondo de tres mil obras de fotógrafos españoles y portugueses, desde 1950 hasta la actualidad. La Fundación se encarga de su conservación, divulgación y estudio.

Foto Colectania organiza en su sede tres exposiciones temporales anualmente, con el objetivo de presentar importantes colecciones públicas y privadas, así como de llamar la atención sobre autores y obras y establecer relaciones de afinidad entre fotógrafos. También organiza actividades de divulgación para dar a conocer diferentes aspectos de la fotografía.

 

 

Visita a la exposición de Cristina De Middel en la galería Tagomago

ACTIVIDAD PARA AMIGOS Y SOCIOS DE FOTO COLECTANIA

El pasado jueves 15 de Enero, Foto Colectania organizó una visita para los Amigos y Socios de la fundación, a la exposición de Cristina De Middel “5 Historias” en la galería Tagomago de Barcelona.

invitación

© Cristina De Middel

La exposición “5 Historias” es un repaso por la trayectoria de los últimos seis años de la artista, considerada como una de las figuras más prometedoras de la fotografía contemporánea de nuestro país. Si bien comenzó su carrera como fotoperiodista, De Middel siempre se ha sentido atraída por los aspectos más excéntricos de la narrativa, huyendo de todo convencionalismo. En su trabajo, la autora parte de sucesos reales pero incorpora elementos ficticios con la intención de que el espectador cuestione lo que ve. Extraordinarias historias y expediciones son contadas de nuevo a través de una narrativa muy personal y profunda, a menudo llena de ironía y humor.

En la exposición se pueden ver los trabajos “The Afronauts”, “Party”, “Snap Fingers & Whistle”, “Jan Mayen” y “Antipodes”.

 

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

 

Link de la página web de Cristina De Middel

Tan lejos, tan cerca. Documentalismo fotográfico en los años 70

Koldo Chamorro

Koldo Chamorro, Del reportaje monográfico España Mágica, Andalucía, 1982

Exposición en Foto Colectania, del 16 de diciembre al 2 de abril de 2015

Autores participantes: Koldo Chamorro, Cristina García Rodero, Cristóbal Hara, Fernando Herráez, Anna Turbau, Ramón Zabalza

Con la exposición “Tan lejos, tan cerca”, la Fundación Foto Colectania revisa la obra de los máximos exponentes del documentalismo fotográfico español surgido en la década de los setenta. Los seis autores que integran la muestra – Koldo Chamorro, Cristina García Rodero, Cristóbal Hara, Fernando Herráez, Anna Turbau y Ramón Zabalza – se caracterizan por haber renovado el género al aplicar un enfoque directo y una visión nueva que sentaría las bases para las generaciones posteriores. La exposición, que está comisariada por Cristina Zelich, organizada junto con el festival PhotoEspaña y producida por el Ministerio de Cultura, se podrá ver en Foto Colectania del 16 de diciembre de 2014 al 2 de abril de 2015.

 A principios de los setenta,  una nueva generación de fotógrafos dirigió su objetivo más allá de las realidades urbanas para capturar la España rural de la época. Alejados de la iconografía oficial, estos autores reflejaron la vida en las pequeñas ciudades de provincia, las culturas marginales y las tradiciones, siempre con una mirada personal e innovadora, alejada de los estereotipos impuestos por la etapa franquista. Los trabajos que realizaron  respondían a intereses personales y no a encargos, y las series fueron planteadas desde el principio como trabajos de largo plazo, lo cual dio a los autores una gran libertad creativa. En la muestra se presentan proyectos que han alcanzado un gran reconocimiento, como las series en blanco y negro de Cristóbal Hara o el famoso “España Oculta” de Cristina García Rodero, junto a otros no tan conocidos pero igualmente necesarios para entender una época, como la “España Mágica” de Koldo Chamorro o las “Imágenes gitanas” de Ramón Zabalza.

Aunque herederos, en cierto modo, del realismo humanista de los fotógrafos de la generación anterior, los seis autores que integran esta exposición se diferencian de aquellos en su mirada, marcada por la franqueza, y por su forma directa de observar y documentar la realidad huyendo de poéticas almibaradas, recurriendo en ocasiones a encuadres que crean imágenes surrealistas de gran fuerza expresiva y otros recursos propiamente fotográficos que avalan su profundo conocimiento del medio.

Sin llegar a constituir ningún colectivo, sí que  todos ellos se muestran radicales en su compromiso con la fotografía, por la percepción clara de hallarse tanto ante formas de vida y tradiciones al borde de la desaparición o la transformación, como ante realidades que evidenciaban la distancia entre la sociedad urbana y la rural.

Fundació Foto Colectania www.colectania.es

Julián Romea 6, D2 08006 Barcelona

Tel: 93 217 16 26
colectania@colectania.es

Horario: de lunes a sábado de 11 a 14 y de 16 a 20h. Domingos y festivos cerrado.

Teaser de la exposición Pieter Hugo_KIN

Teaser producido por La Diferencia, ladiferencia.tv

Realizamos este “teaser” con motivo del Ciclo de la Filmoteca de Catalunya “Espejos de Sudáfrica, en sintonía con Pieter Hugo”.

Programa del ciclo:

Miércoles 3 de diciembre, 21.30h: The Bang Bang Club (Steven Silver, 2010)
Viernes 5 de diciembre, 21.30h y Jueves 18 de diciembre, 18.30h: Tsotsi (Gavin Hood, 2005).

Más información:
filmoteca.cat/web/programacio/cicles/miralls-de-sud-africa-en-sintonia-amb-pieter-hugo

Exposición “Pieter Hugo_Kin”, Foto Colectania, 18 de septiembre – 10 de diciembre de 2014.