IN FOCUS: FISCHLI & WEISS

Esta semana, nuestra sección de In focus esta dedicada a los artistas suizos Peter Fischli y David Weiss que con The way Things Go (1987) premiada en la Biennale de Berlin de 1988, se dieron a conocer a nivel internacional.

The Way Things Go, 1987. Peter Fischli & David Weiss. Colección Martin Z Margulies

Esta pieza audiovisual documenta los experimentos físico-químicos de los artistas suizos Fischli y Weiss. Estructurada como una sucesión de objetos en movimiento -a modo de efecto dominó- mediante reacciones químicas, fricciones, contrapesos y demás disposiciones físicas perfectamente calculadas, los artistas trazan un recorrido donde maderas, placas metálicas, cubos, botellas, mechas, ruedas, líquidos, globos y bolsas de plástico crean tensiones, provocando infinitud de desplazamientos, cada una más asombrosa.

Fischli & Weiss, de consagrada trayectoria, han colaborado juntos desde los años ochenta. Mediante la escultura, la instalación, el video y la fotografía han explorado lo que los críticos denominan “la poética en la banalidad”. Así, su observación de la cotidianidad se convierte en un universo animado que se puede ver a lo largo de todas sus obras: en las fotografías de las Wurst Series, en los personajes de “Rata y Oso” que se manifiestan como el alter ego de los dos artistas, o bien, en las evocadoras imágenes de sus viajes en el proyecto Visible World. Su obra ha sido comparada con la de Marcel Duchamp, Dieter Roth o Jean Tanguely.

The point of least resistance y The right Way son las primeras películas que hicieron juntos.  Una rata y un oso discuten y reflexionan sobre el mundo en el que viven mientras comparten experiencias y viajes.

A continuación, podéis ver  unos fragmentos de algunos de sus primeros vídeos :

The point of least resistance, 1981

The Right Way, 1983

OTROS LINKS DE INTERÉS

Web de los artistas: http://fischli-weiss.com/

Artículo en The Guardian: Fischli and Weiss ”The art of humour”

Entrevista en El Cultural a propósito de su exposición en el Centro de Arte Reina Sofia en 2009.

IN FOCUS: KOTA EZAWA

The Simpson Verdict, 2002. Video monocanal con audio, duración: 3´ © Kota Ezawa

KOTA EZAWA es el siguiente artista que presentamos en nuestra sección de “In Focus” dedicada a la exposición de videoarte “Chorus”, con obras procedentes de la colección Martin Z. Margulies

La obra de Kota Ezawa se centra en la recreación meticulosa, fotograma a fotograma, de secuencias animadas de televisión, cine e historia del arte, utilizando programas básicos de dibujo digital y animación, en una estética altamente estilizada que alude a la pintura Pop o Alex Katz.

En The Simpson Verdict, Ezawa recrea en animación el veredicto de O.J. Simpson utilizando como fuente secuencias filmadas en el tribunal y manteniendo el audio original.La artificialidad estilística de esta obra subraya la “fabricación” del espectáculo histórico y, paradójicamente, preserva el poder de los acontecimientos originales. La capacidad que tiene Ezawa de arrancar una auténtica emoción basada en algo artificial evidencia su lealtad con los maestros del Pop, como Warhol o Lichtenstein.

De los múltiples proyectos que ha realizado Ezawa, a continuación os proponemos  ”The History of Photography Remix”, en el que Ezawa muestra toda una serie de iconos de la historia de la fotografía que el artista traslada a ilustración, usando una técnica depurada y minimalista. Este proyecto está recogido en el libro homónimo e incluye textos de Lars Bang Larsen y Chus Martínez.

En el siguiente vídeo, ilustrado también con imágenes del proyecto, podemos oír a Ezawa hablando sobre el proyecto:

También en este otro vídeo, subido por el MoMA de San Francisco, podéis ver una interesante entrevista  a Ezawa que nos explica de nuevo su proyecto y analiza la relación entre fotografía e ilustración:

OTROS LINKS DE INTERÉS:

Kota Ezawa – Beatles: California Über Alles (vídeo)

Kota Ezawa habla sobre la fotografía de Garry Winogrand (vídeo)

Visita guiada de Ezawa a sus obras expuestas en el  MoMA (Audio)

Artículo publicado en el New York Times donde se resume la trayectoria  y proyectos de Kota Ezawa:

IN FOCUS: DOUG AITKEN

© Sleepwalkers (Linear Version) Still del Video monocanal con audio, duración: 16´06, Doug Aitken

La exposición de videos “Chorus” presenta el vídeo Sleepwalkers del artista californiano Doug Aitken. Esta obra, realizada en 2007, se proyectó sobre la fachada del edificio del Museum of Modern Art (MoMA), convirtiéndolo en pantalla, escultura e instalación al mismo tiempo.

Sleepwalkers se compone de cinco cortometrajes interconectados que cuentan la historia de una noche en la vida de cinco neoyorquinos: Donald Sutherland, Tilda Swinton, Cat Power, Seu Jorge y Ryan Donowho.

Existe bastante información en internet sobre este megaproyecto. Nosotros os recomendamos dos enlaces:

Las imágenes y un fragmento del vídeo que aparece en la web de Doug Aitken

http://www.dougaitkenworkshop.com/work/sleepwalkers/

o el site que preparó el MoMA de NY para el evento.

http://www.moma.org/interactives/exhibitions/2007/aitken/flash.html


Como complemento a este proyecto de Sleepwalkers, a continuación os presentamos dos de sus trabajos más recientes, como siempre vinculados al vídeo y la instalación:

Por un lado BLACKMIRROR, que retrata a toda una generación nómada y dependiente de la información a través de una road movie en la que su protagonista viaja constantemente de un lugar a otro sin llegar a saberse nunca de dónde viene o a dónde pretende llegar ni por qué. Protagonizado por la actriz Chloë Sevigny, su omnipresente figura recorre escenarios anónimos pero cargados de connotaciones y referencias al viaje y al mundo anónimo actual.”

http://www.dougaitkenblackmirror.com/

Finalmente “SONG 1”su último happening realizado en el Hirshhorn Museum de Washington DC en mayo de 2012 en colaboración con Pitchfork y Wired, con contribuciones de músicos tan importantes como Animal Collective’s Geologist, Nicolas Jaar, Oneohtrix Point Never, No Age, High Places, Tim McAfee-Lewis, y Leo Gallo que ofrecían sus versiones de “I Only Have Eyes for You”, una canción pop escrita en 1934 que combina una declaración de deseo y dedicación.

Tal y como se ha afirmado “esta intervención de trata de un ejemplo de “arquitectura líquida” en un paisaje urbano sonoro. A través de once proyectores de vídeo de alta definición, Aitken mezcla una serie de imágenes para envolver el exterior del museo y crear una obra de videoarte que redefine el espacio cinematográfico. su principal objetivo es reactivar el diálogo con el espacio público, así como ofrecer a los espectadores la oportunidad de ser testigos de la primera obra en una pantalla de cine convexa de 360°.”

Más info de Doug Aitken:

Web de Doug Aiken

303 Gallery

CANAL DE VIMEO (20 VÍDEOS)

Doug Aitken (nacido en California, 1968) vive y trabaja en Los Angeles y Nueva York) es ampliamente conocido por su práctica innovadora que incluye cine y vídeo, escultura, fotografía, sonido, montaje, y la intervención arquitectónica. Utilizando una amplia gama de medios de comunicación y enfoques artísticos, su obra nos introduce en un mundo donde el tiempo, el espacio y la memoria son conceptos fluidos.

El trabajo de Aitken ha sido presentado en exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo, en instituciones como el Whitney Museum of American Art, The Museum of Modern Art, el Vienna Secession, la Serpentine Gallery de London, y el Centre Georges Pompidou de Paris

IN FOCUS: MARINA ABRAMOVIC

Con motivo de la exposición “Chorus. Videoarte de la colección Martin Z. Margulies”, estrenamos nueva sección de “In Focus”, en esta ocasión, dedicadas a los 8 artistas presentados en la muestra.

Empezamos con la reconocidísima MARINA ABRAMOVIC, que se denomina a sí misma la “abuela de la performance”. El vídeo que presentamos en la exposición es “Chorus” forma parte de una instalación que cuenta con 5 videos en total: “Star”, “Boy”, “Girl”, “Chorus” y “Testa Electricity”. Según la propia Abramovic, este trabajo debe ser considerado como una respuesta emocional a eventos políticos expresados a través del rico y simbólico vocabulario que la caracteriza.

A sus 66 años de edad, Marina Abramovic sigue mostrando tener ese espíritu inquieto de experimentación creativa que la llevó el pasado abril a presentar un espectáculo en el Teatro Real de Madrid que tenía por título “Vida y muerte de Marina Abramovic”. Algunos lo han catalogado como una ópera, en un intento de simple clasificación para un espectáculo  en el que la música, la performance, la literatura y el teatro se fusionan borrando los límites disciplinarios y esbozando interesantes planteamientos filosóficos. Se trata de una pieza profundamente íntima y sobrecogedora, de gran impacto estético, y que cuenta con la colaboración de grandes artistas como el actor Willem Dafoe, el músico Antony (de Antony and the Johnsons) o el director de escena Robert Wilson.

En el siguiente vídeo el director de escena Robert Wilson, y los principales interpretes de “Vida y muerte de Marina Abramovic”, Willem Dafoe, Antony y la propia Marina Abramovic hablan de la obra aprovechando su estreno en el Teatro Real.

También os recomendamos esta inetersante conversación entre Marina y Antony realizada con motivo del espectáculo en Madrid entrevista, publicada en El País

Para los que llegaron tarde al espectáculo de Madrid y tengan ganas de conocer más sobre esta artista serbia, informamos que el pasado 13 de junio se presentó “The artist is present” un documental  en el que se hace un repaso de su trayectoria profesional y personal, factores que para Marina Abramovic siempre fueron indisolubles, y que esperamos tener lo antes posible en nuestro país.  A continuación, podéis ver el trailer de la película:

OTROS LINKS DE INTERÉS:

In Focus: Escuela Vkhutemas

© Escuela Vkhutemas, “Model Construction”, c. 1925. Fotografía expuesta en “La Morada del hombre. Colección Martin Z. Margulies”

Gracias a la oportunidad que nos ha brindado la Colección Z. Margulies de poder contemplar algunas fotografías de la Escuela Vkhutemas, hoy en “In Focus” vamos a aprovechar para conocerla más de cerca o hacer las presentaciones para aquellos que nunca oyeron hablar de ella.

Si tenemos que hablar de diseño, fotografía, artesanía y vanguardia serán pocos los que no recuerden con rapidez la Bauhaus alemana. En cambio su análoga soviética desgraciadamente ha pasado desapercibida en demasiadas ocasiones. Pero hoy desde nuestro blog vamos a intentar remediarlo dentro de lo posible.

© Escuela Vkhutemas, “Model Construction”, c. 1925. Fotografía expuesta en “La Morada del hombre. Colección Martin Z. Margulies”

El 29 de noviembre de 1920 se crean los Talleres de Educación Artística Avanzada del Estado (Vysshie Gossudarstvennye Khudozhestvennye Massterskie) conocidos como VKhUTEMAS a partir de un decreto firmado por Lenin en el que se pretendía “formar artistas para la industria”. Después de una guerra civil y las veloces transformaciones económicas que había sufrido la Unión Soviética existía un creciente interés por la construcción de elementos útiles para los ciudadanos, concepto que se refería a la arquitectura y al diseño.

Vassily Kandinsky fue profesor de Vkhutemas durante una año y el encargado de instaurar las directrices de la Escuela. Pero no tardó en aparecer un grupo de artistas más jóvenes encabezado por Alexander Rodchenko que se oponía a sus ideas y defendían los principios del Constructivismo. Para ellos quedaba claro que la visión abstracta del arte no podía dar respuestas a las demandas de esta nueva sociedad, era necesario desarrollar un arte aplicado y adecuado a las necesidades del sistema y su industria. Lissitzky hablaba de “la creación orientada a un objetivo”, el artista podía ser un agente de cambio y desarrollo social.

Rodchenko tuvo un papel fundamental en el desarrollo de la escuela Vkhutemas y en el aprendizaje de sus alumnos, los impulsó a la experimentación del diseño de forma multidisciplinar y fue el responsable del fructífero contacto e intercambio de conocimientos con la Bauhaus. La Vkhutemas fue una influencia determinante para la Bauhaus, es precisamente de los soviéticos de donde sacan la pedagogía y estética constructivista que tanto caracterizará a la escuela alemana.

Rodchenko fue en la Vkhutemas como Moholy-Nagy en la Bauhaus, es decir, que fue el primero en enseñar técnicas fotográficas a los alumnos y a valorar la fotografía como una disciplina indispensable para la nueva era artístico-industrial que se estaba viviendo.

Rodchenko creó una interesante relación entre la arquitectura y la fotografía, la conversión de un elemento tridimensional a uno bidimensional creando formas abstractas cercanas a la plástica constructivista.

© Escuela Vkhutemas, “Model Construction”, c. 1925. Fotografía expuesta en “La Morada del hombre. Colección Martin Z. Margulies”

La maqueta se supone que no es otra cosa que un boceto útil para trabajar las formas y el espacio arquitectónico, pero al reducirse a una escala muy pequeña  el espacio interior pierde relevancia y acaba convirtiéndose en algo más cercano a la escultura, pero que además al ser fotografiado pierde su volumen y pasa a un tercer nivel estético.

A continuación os dejamos con la información de la exposición “Modernism in Miniature
Points of View”  que tuvo lugar en la Octagonal Gallery en 2011, sobre la relación entre fotografía y las maquetas.

http://www.cca.qc.ca/en/exhibitions/1487-modernism-in-miniature

 

INFORMACIÓN COMPLEMENTARIA:

Webs y Blogs sobre la escuela VKhUTEMAS :

En el subsuelo

Los Vkhutemas, Historial de Diseño

Webs con noticias e información dedicados a A. Rodchenko:

Artículo en El País sobre Rodchenko como fotógrafo

Exposición retrospectiva en el MoMA 

Rodchenko y la fotografía

Artículo Rodchenko fotógrafo: La revolución en la mirada

rodchenko profesor y sus alumnos

Fotografías de Rodchenko

 

Libros recomendados:

The Struggle for Utopia: Rodchenko, Lissitzky, Moholy-Nagy, 1917-1946, Victor Margolin, University of Chicago Press, 1997

Faculty Of Vkhutemas Stepanova, Alexey Scchusev, Robert Falk, Ko, Hephaestus Books 2011



IN FOCUS: LUC DELAHAYE

(Haz click sobre la imagen para ampliarla)

Luc Delahaye, Kabul Road, 2001. Fotografía expuesta en “La morada del hombre. Fotografías de la colección Martin Z. Margulies.” Sede Fundació Suñol

If an image is powerful enough, if it resists us, if, by its obscure coherence, part of it escapes our understanding, then it means that something has been won from reality.” Luc Delahaye

En 2001 el fotógrafo francés Luc Delahaye inició una serie de fotografías que mostraban algunos acontecimientos recientes relacionados con desastres naturales, guerras y genocidios. A pesar de que nos han llegado algunas de estas imágenes a través de los medios, la propuesta de Delahaye y su aproximación a los temas es distinta.

En esta entrada os ofrecemos algunas entrevistas, vídeos e imágenes que permite profundizar en la propuesta de Delahaye, un autor que ha recibido importantes reconocimientos en el mundo de la fotografía, con exposiciones en centros tan importantes como el J.Paul Getty Museum y premios como el ICP Infinity Award (2001), el Deutsche Börse Photography Prize (2005) o la Robert Capa Gold Medal (2002, 1992)

Pero si algo llama la atención de Delahaye es que este autor, que se unió a Magnum en 1994, decidió abandonarla en 2004. A pesar de que Delahaye, se ha mostrado reticente a responder el porque de esta decisión, a continuación os dejamos algunas entrevistas que nos dan alguna pista de su postura hacia la fotografía:

Las dos que os recomendamos, fueron realizadas poco después de que Delahaye abandonara la prestigiosa agencia.

“View from the Photo Desk: Luc Delahaye” de Roger Richards :http://digitaljournalist.org/issue0408/richards.html

“The big Picture” de Peter Lennon: http://www.guardian.co.uk/artanddesign/2004/jan/31/photography

Esta última está realizada en la revista Frieze en 2011: http://www.frieze.com/issue/review/luc-delahaye/

Por último, una entrevista con Joerg Colberg, autor del interesantísimo blog Conscientious Extended:  http://jmcolberg.com/weblog/extended/archives/a_conversation_with_luc_delahaye/

No hay demasiados videos sobre Delahaye. A continuación una breve entrevista en youtube de Delahaye, donde comenta sus fotografías.

Por último os mostramos una serie de impactantes imágenes de Delahaye. Para ilustrarlas hemos escogido algunas de las citas del propio fotógrafo extraídas de la web “Photoquotations :

“What you want to be is a poet…. To voice the real and at the same time create an image that is a world in itself, with its own coherence, its autonomy and sovereignty; an image that thinks.”

“I was twenty when I discovered war and photography. I can’t say that I wanted to bear witness and change the world. I had no good moral reasons: I just loved adventure, I loved the poetry of war, the poetry of chaos, and I found that there was a kind of grace in weaving between the bullets.”

“I am cold and detached, sufficiently invisible because sufficiently insignificant, and that is how I arrive at a full presence to things, and a simple and direct relation to the real. That idea, in my work, is central.”

“I consider the act of taking pictures as an artistic performance in itself: a sum of movements, which have no finality other than their own perfection. I am the only viewer of this part. The consequence is “being there,” fully and simply, without affects or emotions.”

“I want to show the event at the very moment it takes place…. My body must be anchored to the ground and seek the best point of view, without any visual taboos. But then, at the heart of the event, my effort is to disappear, I introduce a distance that borders on indifference.”

“The denunciation of suffering by photography has replaced the religious justification of suffering in painting. Denunciation is a function of photojournalism, and in itself that’s a step in the right direction.”

Esta entrada se inscribe dentro del ciclo “In Focus” que quiere compartir con vosotros los descubrimientos que hagamos en internet de los autores de la muestra “La morada del hombre. Fotografías de la Colección Martin Z. Margulies”. Os invitamos a participar en este proyecto con vuestros comentarios y con nuevas sugerencias de sitios web que consideréis pueden complementar la información de los artistas seleccionados en la muestra.

IN FOCUS: MIKE DISFARMER

© Mike Disfarmer, Homer Eakers, Loy Neighbors, Julius Eakers. Brothers-in-law. 1939-1946. Colección Martin Z.Margulies

Mike Disfarmer fue un fotógrafo americano cuyos retratos de estudio de los habitantes de las zonas rurales de Arkansas trascendieron al ámbito de la fotografía artística, tres años después de su muerte.

www.disfarmer.com/

Se ha escrito en numerosas ocasiones que Disfarmer fue en vida un personaje excéntrico: nacido en 1884, Mike Meyer (meier en alemán significa granjero), cambió legalmente su nombre por el de Disfarmer (no-granjero, en inglés) para desvincularse así, no sólo de la comunidad agrícola en donde ejercía su oficio, sino de sus propios parientes – alegaba que un tornado había hecho volar su casa por los aires y que él, entonces un bebé, había ido a parar accidentalmente a casa de la familia Meyer.

Pero, ¿quién se encargó de dar voz a las imágenes perdidas de Disfarmer? En 1961, tres años después de la muerte Disfarmer, Joe Allbright compra todo su material por 5 dólares y en 1973 vende las 10-15 cajas de placas de cristal a Peter Miller, editor de un periódico, por 1 dólar.  Miller, confía en que las imágenes de Disfarmer son especiales y se pasa todo un año limpiando la emulsión de los placas de cristal y preservando las imágenes. Rescata entre 3,000 y 4,000 negativos, hace copias modernas y se las envía a Julia Scully, editora del Modern Photography magazine. En 1976, Scully edita el libro Disfarmer: The Heber Springs Portraits, 1939-1946: Disfarmer Photographs from Peter Miller, the Group, Inc.”, coincidiendo con una exposición en el International Center of Photography (NY) dedicada a Disfarmer.

© Mike Disfarmer, Young Girl in White Dress with Ribbons, 1939-1946. Colección Martin Z.Margulies

Toba Tucker continuó la labor de dar a conocer la obra de Disfarmer, realizando numerosos viajes a Heber Springs en 1989, dónde entrevistaa muchos sujetos fotografiados por Disfarmer. Afirma: Disfarmer created a remarkably moving and insightful series of photographic portraits documenting the character of a segment of small-town America at a time when its endurance was being severely tested and its values were in transition.” 

Podéis encontrar más información sobre los resultados de sus entrevistas en el siguiente enlace: http://tobatucker.com/index.php?fuseaction=books.hebersprings

© Mike Disfarmer, Soldier with Two Girls in Poka – Dot Dresses, 1939-1946. Colección Martin Z.Margulies

El siguiente artículo del NY Times, cuenta las rivalidades entre los coleccionistas que han realizado  importante búsqueda de copias vintage de Disfarmer de Heber Springs y Cleburne Country, entre ellos Michael Mattis, Mr. Kasher y Mr. Houk’s. Algunos de las copias han subido a los 24.000$!

http://www.nytimes.com/2005/08/22/arts/design/22disf.html?pagewanted=all

En el caso de Mr. Marttis, éste llegó realizar una exposición en Heber Springs para poder captar a gente que estuviera en posesión de copias originales de Disfarmer. Trabaja técnicas de investigación para poder encontrar más copias de época y a su vez agudizó en cuanto a darse cuenta de qué copia era mejor que las demás y porqué: He trained his scouts to identify good prints from bad. “There is image quality and there is print quality,” he explained, saying he preferred subjects wearing overalls instead of suits, and with serious expression rather than smiles. If the print was yellow, creased, flushed out in the highlights, or had a flat tonal range, he wasn’t interested. Eventually, he said, his representatives in Heber Springs were giving him “the same kind of condition report you’d get from Sotheby’s or Christie’s.”

DEDICACIONES A DISFARMER:

Durante los últimos años han surgido numerosas dedicaciones a Disfarmer, una película, una obra de teatro e incluso un álbum musical. A continuación os dejamos con algunos enlaces que hemos podido encontrar en la web:

– Película: Disframer: Portrait of America, 2010. Ver el trailer:

Disfarmer: Portrait of America, 2010 – World Premiere tvo 2011
Director:Martin Lavut/ Writer:Martin Lavut (writer)/ Runtime:52 min/ Language:English/ Genre:Documentary/ Country:Canada / Company:Public Pictures

Álbum musical de Bill Frisell, Disfarmer (2009)
Focus, Natural Light, Lonely Man

-Obra de teatro dirigida por Dan Hurlin, música por Dan Moses y texto por Sally Oswald. Podéis consultar el programa de la obra o el artículo que dedica la revista “Propeller Oct 09” a cómo Hunter, director de teatro, descubre a Disfarmer y crea una obra en base a su vida:

http://claricesmithcenter.umd.edu/downloads/programs/110509_Disfarmer.pdf

http://issuu.com/propeller/docs/propeller1

Finalmente os recomendamos una galería de imágenes publicadas en el New York Times:

http://www.nytimes.com/slideshow/2005/08/21/arts/20050822_DISF_SLIDESHOW_1.html

Esta entrada se inscribe dentro del ciclo “In Focus” que quiere compartir con vosotros los descubrimientos que hagamos en internet de los autores de la muestra “La morada del hombre”. Os invitamos a participar en este proyecto con vuestros comentarios y con nuevas sugerencias de sitios web que consideréis pueden complementar la información de los artistas seleccionados en la muestra.

IN FOCUS: ALEC SOTH

©Alec Soth, “Fort Jefferson Cross at the Confluence”, Wickliffe, KY, 2002.  Fotografía de la serie “Sleeping by the Mississippi”  expuesta en “La Morada del hombre. Colección Martin Z. Margulies”

Muchos han comparado el trabajo de Alec Soth  con el de fotógrafos de la altura de Walker Evans o Robert Frank debido a su interés por retratar la sociedad americana. En este “In focus” queremos profundizar en su serie Sleeping by the Mississippi, proyecto que la prestigiosa agencia Magnum ha considerado una posible continuación de trabajos tan emblemáticos como The Americans  de  Robert Frank. Soth pasó 5 años de su vida trabajando en este proyecto: a partir de retratos, paisajes o interiores disparados a lo largo de la denominada “costa olvidada” de América trata temas como la religión, la raza, el sexo o la muerte.

©Alec Soth, “Luxora”, AR, 2002. Fotografía de la serie “Sleeping by the Mississippi”  expuesta en “La Morada del hombre. Colección Martin Z. Margulies”

Para ver imágenes de la serie completa podéis dirigiros a la web oficial de Alec Soth http://alecsoth.com/photography/projects/sleeping-by-the-mississippi/

El primer documento que os presentamos es un video realizado con motivo de la exposición que presentó el Walker Art Center de Minneapolis, acontecimiento que fue acompañado por una serie de actividades informativas como es esta conferencia y conversación entre el fotógrafo  y el escritor Andrei  Codrescu. Podréis oír a Alec Soth hablar sobre su experiencia y sus reflexiones durante el transcurso de su viaje  a lo largo del Mississippi. Una experiencia concebida como un viaje transversal a través de la cultura realizada en una de las partes más inéditas de Estados Unidos.

También recomendamos dos links para conocer más a fondo la serie de Mississippi, pero también la visión de la fotografía que tiene Alec Soth en general, sus intereses y opiniones.

El primero es una entrevista dirigida por Ben Sloat de la revista Big Red & Shiny, y el segundo es un artículo realizado por el también fotógrafo Collin Pantall, que es interesante en la medida que aporta la opinión de un colega de profesión.

El video que adjuntamos a continuación no se relaciona directamente con la serie Sleeping by the Mississippi pero no podíamos dejar de enseñaros esta entrevista que el propio Martin Parr realiza a Alec Soth para el Brighton Museum & Art Gallery en el marco de la Brighton Photo Biennal de 2010. A partir de las lúcidas e interesantes preguntas de Parr podréis adentraros en la búsqueda del concepto fotográfico de Alec Soth.

Otros links recomendados:

Canal de American Suburb X dedicado a Alec Soth:

Entrevista para la revista Seesaw (online photography magazine) sobre el trabajo de Mississippi http://seesawmagazine.com/soth_pages/soth_interview.html

Y como no, los links de la propia web de Soth, para seguir sus numerosos proyectos:

LBM Bookstore

LBM Blog

LBM Tumblr

LBM Vimeo

LBM Facebook LBM Twitter

NYTimes Continental Picture Show

Archived Blog

IN FOCUS: JOEL STERNFELD


© Joe
l Sternfeld. After a Tornado, Grand Isle, Nebraska, 1980. Fotografía expuesta en “La morada del hombre. Coleccción Martin Z. Margulies”

JOEL STERNFELD, GERHARD STEIDL Y LA CREACIÓN DEL FOTOLIBRO “iDUBAI”

Para nuestra sección de “In focus” dedicada a Joel Sternfeld, queremos destacar uno de sus proyectos más recientes: se trata de iDUBAI, una serie de fotografías realizadas en los centros comerciales de Dubai, usando un Iphone.

El resultado del proyecto lo publicó en 2010 en la prestigiosa editorial Steidl.

En el siguiente vídeo podréis ver un clip en el que el editor Gerhard Steidl y el propio Sternfeld, toman algunas decisiones sobre los aspectos que definirán el fotolibro: el título, el formato, el nº de fotos por página, etc.

Extracto del DVD  “How to make a book with Steidl, marzo, 2012

En el siguiente enlace podéis ver el resultado del fotolibro: http://www.steidlville.com/books/965-iDubai.html

Y finalmente un vídeo con las fotografías de la serie

Mas allá del proyecto “iDUBAI”, os dejamos una serie de links sobre Sternfeld:

GALERÍAS DE IMÁGENES:

Galería Luhring Augustine: con una completa seleción de imágenes.

Una selección de sus fotografías más conocidas en la revista zero magazine.

VIDEOS:

Sobre el proyecto Walking the High Line” de Sternfeld (6 minutos)

Colette Olof, curator del FOAM de Ámsterdan, nos presenta la obra de Sternfeld con motivo de la exposición “Color Photographs since 1970” (4 minutos)

SELECCIÓN DE BLOGS:

El Ángel Caído (incluye audio)

Espai Fotogràfic: “Joel Sternfeld: el gust pels detalls” por Pep Mínguez

Toies

Con tiempos raros

Esta entrada se inscribe dentro del ciclo “In Focus” que quiere compartir con vosotros los descubrimientos que hagamos en internet de los autores de la muestra “La morada del hombre”. Os invitamos a participar en este proyecto con vuestros comentarios y con nuevas sugerencias de sitios web que consideréis pueden complementar la información de los artistas seleccionados en la muestra.

IN FOCUS: STEPHEN SHORE

© Stephen  Shore, U.S.!, Arundel, Maine, 1974. Colección Martin Z. Margulies

Como Lewis Baltz, Stephen Shore es uno de los mayores representantes del movimiento “New Topographics” que proponía la renovación estética del paisajismo norteamericano. Además, Shore fue junto con William Eggleston, uno de los pioneros en el uso del color en fotografía.

En “In focus” queremos destacar la faceta de Shore como docente. Durante más de 20 años Shore ha sido profesor y actualmente es el director del Departamento de fotografía del Bard College, en el estado de Nueva York.

Destacamos antes que nada la interesantísima conferencia que impartió el pasado mes de febrero el MoMA de San Francisco. ¡Imprescindible!

Podéis verla aquí o en la entrada anterior de nuestro blog

Por otro lado, os recomendamos su libro “Lección de fotografía. La naturaleza de las fotografías”, una guía que explora, con una claridad pasmosa, las claves del medio fotográfico, mediante imágenes icónicas y fotografías espontáneas e incluye comentarios de obras de los padres de la fotografía, como Alfred Stieglitz y Walker Evans.

En el Fotómata, espacio sonoro que realiza tertulias radiofónicas semanales acerca de la fotografía contemporánea en Radiópolis, la radio ciudadana de Sevilla, dedicaron uno de sus programas a Stephen Shore y sus “lecciones de fotografía”. Podéis escucharlo o bajaros el podcast aquí.

A continuación os dejamos algunos enlaces más sobre Stephen Shore:

El extraordinario debate entre dos grandes: William Eggleston y Stephen Shore: (Bonus del DVD Eggleston in the real world.)

 

Una entrevista filmada en el Armory Show en Nueva York Shore nos explica sus años de formación trabajando en estrecha colaboración con Andy Warhol en The Factory y de la escena neoyorkina del momento, antes de comenzar su viaje épico.

 

 

En la segunda parte del video, Shore nos habla de su estilo y nos cuenta también como sus técnicas han ido cambiando a medida que ha ido experimentando con nuevos equipos.

 

 

Finalmente, os recomendamos que visitéis la web de la 303 gallery, donde podréis encontrar una gran catidad de imágenes organizadas por sus míticas series como Uncommon Places o American Surfaces. No tan conocidas y también interesantes son las fotografías que realizó durante la época en la que trabajó en The Factory junto con Andy Warhol.